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伟德平台怎么了,「艺术视界」为什么宋朝审美,能领先世界一千年?

   发布日期:2020-01-11 11:42:56  浏览次数:3106

伟德平台怎么了,「艺术视界」为什么宋朝审美,能领先世界一千年?

伟德平台怎么了,  史学大师陈寅恪曾言:“华夏民族之文化,历数千载之演进,造极于赵宋之世”。意思是,宋朝是千百年来华夏文化的巅峰。如今,宋代已不再只是朝代的名称,而演变成了艺术史中一个独特的美学符号。宋代无论诗词歌赋,还是字画瓷器,其神韵形态都达到历史巅峰,论其生活的雅致和审美品位,甚至千年之后也难望其项背——

  宋朝对美的感受和追求是自上而下的,宋徽宗就曾亲自编撰《宣和书谱》和《宣和画谱》,完整整理前世收藏的书法和绘画。“秾芳依翠萼,焕烂一庭中。零露沾如醉,残霞照似融。丹青难下笔,造化独留功。舞蝶迷香径,翩翩逐晚风。”宋徽宗所作的这首诗,不由令人感叹,一个帝王竟对美有着如此细腻的体悟。宋历代君王都崇尚“文治”,成熟的哲学思想,赋予宋代美学以强烈的人文精神和至纯至雅的独特风貌。

  宋·诗词歌赋

  以境界为最上 追求清雅格调

  宋代借三百年昌运盛世,文人雅士烟云供养,或隐居山林,或旷游自然,将对自然的感悟融入禅意生活和文学创作之中。

 《瑞鹤图》 宋徽宗赵佶

  宋词无疑是极美的:既有“三秋桂子十里荷花”的西湖胜景;也有“宝马雕车香满路”的城市繁华。既有“红酥手,黄縢酒”的甜蜜;也有“明月夜,短松冈”的悲伤。既有“无可奈何花落去”的惆怅;也有“一蓑烟雨任平生”的旷达。可以“一种相思,两处闲愁”,更可以“金戈铁马,气吞万里如虎”。如果说在唐代鼎盛的背景下,诗歌充满了青春、自由而欢乐的氛围,那么及至两宋,时代精神不在于建功立业,而在于现世人生,不强调世间万物,独在意个人心境,清雅的宋词随之兴盛。 

  最早的词是文人写给歌伎传唱的曲子,后来就形成长短不齐的固定句式,对景物进行细致的描述,表达复杂的心境。王国维在《人间词话》中言:“词以境界为最上”。境界是什么?就是真景物和真感情。很多流传千古的好词,都是借助其他事物,委婉含蓄地传递情感,体现了某种胸怀和心境。例如诗人韦庄,擅借美人来表达情感,通过写美人思离别,来哀悼唐朝的灭亡。辛弃疾则好用历史典故来表达个人志向。比如,不直白地说要收复失地,而是十分巧妙地用“举头西北浮云,倚天万里须长剑”这样的词句表达。无论是盛唐之音,还是宋词之意,其实都是在传递一种胸怀、思想和心境。这正体现了李泽厚所言:“美是有意味的形式”。

  如果说,境界的高低决定了词的格调,那么从唐诗到宋词审美趣味的变化,就可见时代背景在诗词歌赋上的烙印。一生之中,少年才气发扬,遂为唐体;晚节思虑深沉,乃染宋调。宋词,作为文学的一大巅峰,大大提升了情感表达的分辨率。

  宋·山水画卷

  极尽自然物态之美 崇尚哲学精神

  真正让中国传统绘画大放异彩、走向成熟并影响至今的辉煌时代,当属两宋,其宫廷美术全盛,画院设施齐备,名家层出不穷,艺术思潮活跃,绘画作品精湛。 

 《芙蓉锦鸡图》 宋徽宗赵佶

  从唐到宋美学思想发生质变:唐代绘画偏重人物,宋代则偏爱山水。唐酷爱大红青绿的鲜艳之色,宋则偏好黑白水墨的淡雅之姿。宋朝绘画不仅仅是追求技术,更追求画中意境,少了矫饰之气,多了份自然平和。这个时期山水画最大的发展是:哲学影响了山水画的技法。宋朝的哲学非常重视“格物”——认真仔细地观察事物,找出构成事物的道理。“格物”精神运用于绘画,就是对于自然山川、岩石的质地、水流的波纹和树叶的季节变化等都研究得极为认真细致。如北宋范宽的《溪山旅行图》,瀑布水流从高处激流而下,而下方却只是茫茫水汽,身临其境之感扑面而来。再比如南宋马远的《水图卷》,用十二幅画,来描绘不同水在不同地点、不同季节的表现,这都是格物的精神。北宋初期秉承五代以来“大山大水”的绘画风格,无论高山林木还是江河湖海,都十分注重气势,或峰峦浑厚、势状雄强的“高远深山”,或烟林清旷、气象萧疏的“平远寒林”。 

  其中,尤以“三家山水”李成、范宽、董源为代表。“宋三家”对自然的理解各异其趣。《画鉴》云:“董源得山水之神气,李成得体貌,范宽得骨法,故三家照耀古今,而为百代师法”。其中尤以范宽的代表作《溪山行旅图》最具代表性。画面中高山肃穆庄严、矗立静止,而溪水却潺潺流动、动静结合,透出一种非凡的力量,层次丰富,墨色线条力道十足,给人以身临其境之感。《溪山行旅图》中,人只是行于大山大水里极其微小的存在,宋人深谙人生不过广袤宇宙中的匆匆过客,所以用“行旅”而非“旅行”,敬畏自然,留下谦卑。

  至北宋中后期,画家不再单纯讲究线条气势,而更追求一种内在神韵,既精准描绘外在形象,又充分表达内在感情,将写实性的全景式山水画发展到极致。北宋晚期,出现了继承唐青绿山水的画家王希孟。

  山水画至南宋有所变化,恢宏气势的山水不见,更多的是针对某个特定角度展开创作,讲求秀丽和工整,小巧精致的气息扑面而来。李唐、刘松年、马远、夏圭统称“南宋四大家”。南宋四大家之首李唐开创山水新画风。代表作《万壑松风图》,山水开始带有强烈的感情色彩、浓郁的浪漫主义情调,带动其后山水画的留白之风与文人诗意。而马远、夏圭则以残山剩水闻名,独创的角隅以边角窥全貌,取舍剪裁,水墨留白,让画面保持一种清明和空灵,营造出此时无声胜有声的意境。雄奇简淡的笔法,水墨苍劲的劈皴,坚实爽朗的浅染,意境清远,令人回味无穷,充分体现了宋朝绘画的极简审美。代表作有马远《踏歌图》《寒江独钓图》;夏圭的《溪山清远图》《烟堤晚泊》等。

  宋代理学倡导格物致知,即不试图以技艺感人,更不容流于滥情,而是以敬畏之心回应自然,在细节中体现对比之美,以理性的内省态度,追求近乎理想的真实。走进宋画,用心体味,会被一种前所未有的美感所深深打动。它温柔不失力量,内敛间或飘溢,和雅绝无燥气。它极尽物态之美,简洁却不简单,于精雕细琢中张扬着自然生命的意象与精神。

  宋·笔墨书法

  更专注于自我 营造空灵素雅的意境之美

  书法作为线条的艺术,是一个时代美学的集中体现。

  宋代的书法跟水墨山水画一样,不再追求宏伟壮大,更专注于表达自我,追求平淡天真、空灵素雅的意境之美。

  “宋人尚意”指宋朝书法追求意境,而不拘于法度。正如苏轼所言:“我书意造本无法,点画信手烦推求”。宋人写字不似唐人般规规矩矩,而是自然随性。透过书法,可以看到书写之人或激动、或悲伤、或潇洒的真性情。比如宋徽宗,虽为皇帝,更是一个真正的艺术家,其字和画都堪称瑰宝。宋徽宗独创的瘦金体,如屈铁断金,锋芒毕露,将洒脱的性情和执着表现得淋漓尽致。

  著名书法家苏轼、黄庭坚、米芾和蔡襄,合称“宋四家”。其中黄庭坚比苏轼小八岁,非常欣赏苏轼的人品和才华,两人是至交。苏轼的字略显宽扁,柔和温暖,黄庭坚就笑言是“石压蛤蟆”;黄庭坚的字相对细瘦,曲直相间,苏轼就打趣是“树梢挂蛇”,生动地体现了两人书法的特点。苏轼年轻时字写得漂亮,43岁因“乌台诗案”被抓,经欧阳修等极力抢救,被贬黄州,写了千古绝唱《赤壁赋》、《念奴娇》、《寒食帖》。《寒食帖》是苏轼人生跌了一个大跟头之后所作,苏轼在诗中已不在意所谓的美,而是一气呵成自然流畅,这可以说是人生最高境界,“别人笑我太痴狂,我笑他人看不穿”,很多东西必须在生命不同阶段去领悟。后来黄庭坚又在《寒食帖》上题词,两大书法家并列,诠释了宋人尚意的最高典范。宋代书法笔法豪放而谨严,变化多端而融合;瘦硬遒劲却又刚中有柔,至今仍是世界公认的具有极高的品格和风格。

  宋·官窑瓷器

  绚烂之极归于平淡 成就瓷器审美巅峰

  宋代是瓷业发展史上的黄金时代,数量和质量都堪称一流,既有温润的定窑白釉、淡雅的龙泉梅青釉、含蓄的汝窑天青色,又有耀州窑青釉、景德镇青白瓷等等。

  宋代窑口遍地开花,釉色千差万别。不同于唐三彩的鲜亮与张扬,而是倾向内敛而清澈的质感、丝丝温润的暖色,观之令人身心安宁。宋瓷与元瓷相比,多了分细腻;与明清瓷相比,又少了些柔媚。工艺精湛复杂,最后呈现出的效果却极其安静内敛,朴实无华。宋人其实是用最简单的方、圆、素、朴、拙来表现质感和单纯,将美提升到极致。“雨过天晴云破处,这般颜色做将来”,就是宋瓷的至美追求,色调优雅,无与伦比。这正如大道至简,即摈弃外表的过度雕琢,而追求内在的本质之美,呈现出朴素中有内涵、简洁中有意味的至高境界。正如苏轼用泉水比喻诗文,艺术也应超越简单的感官美,而上升到思想情感的境界,平淡而不枯寡。这种绚烂之极归于平淡的美,在北宋汝窑和南宋官窑中体现得最为完美,含蓄冲淡的光彩细腻单纯,极致绚烂,又极致平淡,成就了瓷器审美的巅峰。

  冰裂纹,本来是制瓷中的败笔,但宋人觉得里面有种沧桑美,经历时间后,叫开片,这是很特别的宋代美学。素色无纹的天青色汝瓷,搭配若隐若现的冰裂纹,朴素得好似找不到欣赏焦点,但静心细观,会发现天青色的静谧配合着冰裂纹的灵动,动静结合,相得益彰,更有着器物有尽、而意境无穷的感染力。宋人将朴与拙、素与雅完美结合,用特有的简洁造型和淡雅清新,诠释着对自然生灵的敏锐感悟力,阐述着中华文化的博大精深及艺术内涵。从传世的梅花图、枯木山水画、冰裂纹青瓷、窑变釉瓷器来看,宋人试图让残缺变成欣赏的聚焦点,用朴、素、淡、雅、拙成就独特的审美情趣。


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